Arte plástico, siglos XX y XXI. La finalidad del arte.

Lo bello es aquello que agrada a la vista. 

(Tomás de Aquino, siglo XIII)

Fauvismo. El cuestionamiento sobre el color. 1904

Henry Matisse, Retrato de André Derain (1905)

Expresionismo. El cuestionamiento del color, la forma y la mesura. Entartete Kunst 1904

Ernst Kirchner, Fränzi ante una silla tallada (1910)

Cubismo. El cuestionamiento sobre las formas y la visión interior de la realidad. 1907

Pablo Picasso, Les demoiselles d'Avignon (1907)

Figuras a orillas del mar (1931)

Uniendo fauvismo, expresionismo y cubismo: el primitivismo. 1907

Natalia Goncharova, Campesinos recogiendo manzanas (1911)

David Burliuk, Mujer con cuatro ojos y gallina (1912)

El jinete azul, Entartete Kunst

Franz Marc, El sueño (1912)

Futurismo. La velocidad y el movimiento. La idea de la destrucción. 1909

Frantisek Kupka, Localización de móviles gráficos (1913)

Natalia Goncharova, Ciclista (1913)

Pintura metafísica. Primer reflejo del mundo onírico. 1912

Giorgio de Chirico, Plaza de Italia, (1913)

Abstracción. El cuestionamiento de la representación de objetos. El valor de la forma y el color per se. Rusos contra el constructivismo ruso. 1914

Vassily Kandinsly, Tensión suave (1923)

Rayonismo

Natalia Goncharova, El bosque (1913)

Kazimir Malévich, Composición suprematista (1915)

Blanco sobre blanco (1918)

Constructivismo. El arte al servicio del orden social. El nuevo orden comunista. 1914

Aleksandr Rodchenko, Danza (1915)

                                                                                

                                            

Vladimir Tatlin

Corriente De Stijl

 

Dadaísmo, ready made art. El nihilismo. 1916

Marcel Duchamp, La fontaine (1917)

  

Primera película dadaísta:

Surrealismo. El arte como reflejo del mundo onírico. 1920

Salvador Dalí, Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar (1944)

Expresionismo alemán. El entartete Kunst, (exposición en 1937) arte degenerado prohibido por el nazismo.

George Grosz, Alemania, un cuento de invierno (1919)

Los pilares de la sociedad (1923)

 

Otto Dix, Leonie (1923)

Emil Nolde,  La joven pareja (1931)

La estética del hombre nuevo, segunda guerra mundial. Similitudes estéticas de los autoritarismos.

Expresionismo abstracto. La respuesta americana al arte ruso. 1940

Jackson Pollock, Ritmo de otoño (1950)

Op art. La forma geométrica y los colores como refugio ante la decadencia y la barbarie occidental.

Julio Le Parc

Art brut. El cuestionamiento del artista en sí mismo: arte basado en la locura.

Jean Dubuffet, Grand maître of the outsider (1947)

Arte espacial. El cuestionamiento del soporte. La destrucción.

Lucio Fontana, Concepto espacial, esperas (1959)

Decollage, 1948. La destrucción y la reconstrucción.

Mimmo Rotella, La ciociara (1990)

Arte conceptual. La transmisión de una idea como objetivo primordial.

Piero Manzoni, Achrome (1958) 

 

Mierda de artista (1961)

                                                              

https://elcultural.com/La-Mierda-de-artista-alcanza-un-precio-record

 

Joan Miró, Pintura sobre fondo blanco para la celda de un solitario (1968)

Expresionismo figurativo

Francis Bacon, Estudios para retratos de George Dyer (1963)

Arte povera. El cuestionamiento de la valoración del material de los sesenta.

Mario Merz, Igloo ticino (1990)

Minimalismo. La influencia del pensamiento oriental.

Sol LeWitt, Dibujo de pared (1982)

Pop art. El reflejo del consumismo.

Andy Warhol, Latas de sopa Campbell (1962)

  

Shot Marilyns (1964) 

Vaca (1966)

Roy Lichtenstein, Mujer en el baño (1963)

Década del 70, las performances: todos somos artistas.

Joseph Beuys, El coyote (1974)

Nam June Paik, Bathroom with mannequin in the bathtub (1963)

Bernard Bazile, Lata de mierda de Manzoni abierta (1989)

Pierre Pinoncelli, El urinario de Duchamp destruido (1993)

Tracey Emin

My bed (1999)
 

Asomándonos al siglo XXI


Noni Lazaga

Con dos tacones

Tim Noble y Sue Webster

Damien Hirst

 

Carlos Alonso

Maurizio Catellan

https://www.20minutos.es/noticia/4081546/0/platano-pegado-pared-vendido-dolares-acaba-estomago-artista/

 

 

Salvatore Garau

Escultura invisible 

 

Obra conceptual

ABC, 9 de  abril 2022

Lo bello es aquello que agrada a la vista. 

(Tomás de Aquino, siglo XIII)

Fauvismo. El cuestionamiento sobre el color. 1904

Henry Matisse, Retrato de André Derain (1905)

Expresionismo. El cuestionamiento del color, la forma y la mesura. Entartete Kunst 1904

Ernst Kirchner, Fränzi ante una silla tallada (1910)

Cubismo. El cuestionamiento sobre las formas y la visión interior de la realidad. 1907

Pablo Picasso, Les demoiselles d'Avignon (1907)

Figuras a orillas del mar (1931)

Uniendo fauvismo, expresionismo y cubismo: el primitivismo. 1907

Natalia Goncharova, Campesinos recogiendo manzanas (1911)

David Burliuk, Mujer con cuatro ojos y gallina (1912)

El jinete azul, Entartete Kunst

Franz Marc, El sueño (1912)

Futurismo. La velocidad y el movimiento. La idea de la destrucción. 1909

Frantisek Kupka, Localización de móviles gráficos (1913)

Natalia Goncharova, Ciclista (1913)

Pintura metafísica. Primer reflejo del mundo onírico. 1912

Giorgio de Chirico, Plaza de Italia, (1913)

Abstracción. El cuestionamiento de la representación de objetos. El valor de la forma y el color per se. Rusos contra el constructivismo ruso. 1914

Vassily Kandinsly, Tensión suave (1923)

Rayonismo

Natalia Goncharova, El bosque (1913)

Kazimir Malévich, Composición suprematista (1915)

Blanco sobre blanco (1918)

Expresionismo austriaco. Gustav Klimt y Egon Schiele

Las tres edades de la mujer, 1905

Muchacha desnuda sentada con los codos sobre la rodilla derecha, 1917

Constructivismo. El arte al servicio del orden social. El nuevo orden comunista. 1914

Aleksandr Rodchenko, Danza (1915)

                                                                                

                                            

Vladimir Tatlin

Corriente De Stijl

 

Dadaísmo, ready made art. El nihilismo. 1916

Marcel Duchamp, La fontaine (1917)

  

Primera película dadaísta:

Surrealismo. El arte como reflejo del mundo onírico. 1920

Salvador Dalí, Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar (1944)

Expresionismo alemán. El entartete Kunst, (exposición en 1937) arte degenerado prohibido por el nazismo.

George Grosz, Alemania, un cuento de invierno (1919)

Los pilares de la sociedad (1923)

 

Otto Dix, Leonie (1923)

Emil Nolde,  La joven pareja (1931)

La estética del hombre nuevo, segunda guerra mundial. Similitudes estéticas de los autoritarismos.

Expresionismo abstracto. La respuesta americana al arte ruso. 1940

Jackson Pollock, Ritmo de otoño (1950)

Op art. La forma geométrica y los colores como refugio ante la decadencia y la barbarie occidental.

Julio Le Parc

Art brut. El cuestionamiento del artista en sí mismo: arte basado en la locura.

Jean Dubuffet, Grand maître of the outsider (1947)

Arte espacial. El cuestionamiento del soporte. La destrucción.

Lucio Fontana, Concepto espacial, esperas (1959)

Decollage, 1948. La destrucción y la reconstrucción.

Mimmo Rotella, La ciociara (1990)

Arte conceptual. La transmisión de una idea como objetivo primordial.

Piero Manzoni, Achrome (1958) 

 

Mierda de artista (1961)

                                                              

https://elcultural.com/La-Mierda-de-artista-alcanza-un-precio-record

 

Joan Miró, Pintura sobre fondo blanco para la celda de un solitario (1968)

Expresionismo figurativo

Francis Bacon, Estudios para retratos de George Dyer (1963)

Arte povera. El cuestionamiento de la valoración del material de los sesenta.

Mario Merz, Igloo ticino (1990)

Minimalismo. La influencia del pensamiento oriental.

Sol LeWitt, Dibujo de pared (1982)

Pop art. El reflejo del consumismo.

Andy Warhol, Latas de sopa Campbell (1962)

  

Shot Marilyns (1964) 

Vaca (1966)

Roy Lichtenstein, Mujer en el baño (1963)

Década del 70, las performances: todos somos artistas.

Joseph Beuys, El coyote (1974)

Nam June Paik, Bathroom with mannequin in the bathtub (1963)

Bernard Bazile, Lata de mierda de Manzoni abierta (1989)

Pierre Pinoncelli, El urinario de Duchamp destruido (1993)

Tracey Emin

My bed (1999)
 

Asomándonos al siglo XXI


Noni Lazaga

Con dos tacones

Tim Noble y Sue Webster

Damien Hirst

 

Carlos Alonso

Martin Creed

https://www.abc.es/espana/madrid/abcp-papel-arrugado-objeto-arte-201201120000_noticia.html

Work nº 88. A sheet of A4 paper crumpled into a ball

Pyramid, 2013

Maurizio Cattelan

https://www.20minutos.es/noticia/4081546/0/platano-pegado-pared-vendido-dolares-acaba-estomago-artista/

 

 

Salvatore Garau

Escultura invisible 

 

Obra conceptual

ABC, 9 de abril de 2022

Old Masters, Oriol Vilanova

Instrumentos renacentistas y sus antepasados

Hoy veremos algunos instrumentos del Renacimiento.
Empezaremos con los cordófonos. Recuerda que en la clasificación debemos fijarnos el modo en el que la cuerda es accionada para producir el sonido. Esta puede frotarse (generalmente con un arco, salvo en la zanfoña), pulsarse (generalmente con los dedos, pero puede usarse una uña, péñola o plectro) o percutirse, esto es, golpearse.

Recordarás que en el medioevo existían cordófonos llamados vihuela, y que las había tanto de arco (cuerda frotada) como de péñola (cuerda pulsada).
Estas son las vihuelas medievales:

Vihuela de péñola

Vihuela de arco

Ahora verás la vihuela del Renacimiento, el cordófono preferido en España en esas épocas:

Vihuela renacentista

Como verás, no tiene una boca franca sino una roseta tallada. Los trastes son de tripa atada (el nudo está detrás), con lo cual pueden moverse. Tiene la cintura menos pronunciada que la actual guitarra y el doble de cuerdas (puedes contar las clavijas, suelen ser 12), ya que se pulsaban de a pares (órdenes dobles).

En el resto de Europa preferían el laúd.
De origen árabe (al'ud), existía ya en la Edad Media. Recordémoslo:

Laúdes medievales

En el Renacimiento se perfeccionó el proceso de manufactura. Seguirá siendo periforme (sí, con forma de pera), con una roseta tallada en la tapa, con trastes de tripa o cuerda móviles (se ataban). El clavijero tendrá un ángulo sumamente pronunciado, casi en 90 grados. La caja de resonancia estará conformada por duelas, semejantes a los gajos de una mandarina o los listones de los fondos de un barco. Veamos, pues, el laúd renacentista:

Laúd renacentista

Duelas posteriores

Existieron también instrumentos derivados del laúd que ampliaban su registro, con un mástil más largo o dos mástiles, y cuerdas sueltas o libres (no se presionaban sobre el mástil sino que simplemente se pulsaban): eran las cuerdas bordonas.
Estos instrumentos se llamaban archilaúd o tiorba.

En cuanto a los instrumentos de teclado, conviene recordar que un teclado no es más que un conjunto de interruptores. Esto significa que a partir de la acción ejercida sobre una tecla, pueden desatarse procesos disímiles: puede golpearse una cuerda, puede dirigirse una columna de aire a un bisel, puede pulsarse una cuerda.
En el Renacimiento aparecen instrumentos de teclado en los que una cuerda es pulsada. Estos, con ligeras diferencias, son llamados clavecín, espineta, virginal, y harpsichord, en inglés. Mira el proceso de producción sonora.
Por otra parte, tenemos en esa época también teclados que producían sonido mediante la percusión (golpeo) de las cuerdas. Es decir, estos teclados son los antepasados del piano, ya que el piano es un instrumento de cuerda percutida.
Estos instrumentos son llamados clavicordios.

Como instrumento representativo del periodo renacentista y luego del Barroco, veremos la viola da gamba (viola de pierna, literalmente). Su nombre resalta que se sujetaba entre las piernas.
Verás que es de cuerda frotada (con un arco) pero que se diferencia del violoncello porque no posee pica, que tiene trastes, su caja de resonancia tiene los hombros caídos, los oídos suelen tener forma de C.
Veámosla:

Seguiremos ahora con un aerófono. Recuerda que hay dos grandes grupos: los de viento metal (que son aquellos en los que su cuerpo hace de resonador que amplifica el sonido base realizado con los labios -aquel que llamamos informalmente pedorreta-) y los de viento madera (de bisel, una o dos lengüetas).

El instrumento que veremos a continuación tiene un tubo resonador extremadamente largo, lo cual dificulta el obturar los orificios que modifican el sonido. A fin de permitir el llegar a ellos la solución ha sido el plegar el tubo, creando esta curiosa forma semejante a una serpiente y de la que deriva su nombre: serpentón.

Escuchemos ahora su sonido.

Otro aerófono de metal (sí, de aquellos en los que se debe hacer una pedorreta para obtener el sonido base y cuya embocadura es como una copita), veremos el sacabuches.
Este instrumento es el antepasado del trombón de varas. Veámoslo en este enlace.

Siguiendo con los aerófonos de metal, uno muy utilizado fue el cornetto. Ya tenemos referencia de él en el libro de las Cantigas de Santa María.

Ahora veremos el cornetto renacentista en acción.

Dentro de los instrumentos de viento madera, tenemos algunos realmente curiosos. Uno de ellos es el cromorno. Como verás, sus dos lengüetas se encuentran dentro de una cápsula. No tienen contacto directo con la cavidad bucal ni los labios. Mira aquí el cromorno, también conocido como orlo.

Otro aerófono de doble lengüeta es el rackett. Dentro del cilindro tiene enrollado el tubo sonoro.

Escucha el rackett aquí.

Continuando con los aerófonos de madera, veremos alguno de lengüeta doble: la chirimía.
 Estos instrumentos continuarán estando presentes en el Renacimiento:

Chirimías medievales

Hoy día en América y en algunas bandas de pueblos en España perviven estos instrumentos. Mira este enlace.

Y terminaremos con el antepasado del fagot, el bajón.

Como verás, no tiene llaves ni platos, sino orificios que se obturan directamente con las yemas de los dedos.

Escúchalo aquí.