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jueves, marzo 24, 2022

Renacimiento, generalidades.

El Renacimiento es el primer periodo de la Edad Moderna. 

Podemos, por tanto, situarlo a mediados del siglo XV. Era la época en que la iglesia estaba a punto de sufrir una ruptura estructural, llamada Reforma.

Los idiomas van tomando forma, van decantándose hacia lo que son actualmente, igual que pasa con los países. Y el primer país que es una potencia a nivel mundial será España, que tendrá un imperio poderosísimo. En España estudiaremos a los Trastámara más famosos (los Reyes Católicos) y a los Austrias llegados a España gracias al matrimonio de Juana con Felipe de Habsburgo.


Fragmento de  "Juana la Loca ante el sepulcro de su esposo, Felipe el Hermoso" Francisco Pradilla y Ortiz. Fuente: Museo Nacional del Prado

La música había abierto, hacia fines del Medioevo, senderos hacia los géneros mixtos o instrumentales.

Tenemos que pensar que varios factores contribuyeron a esto: la mejora de la imprenta, gracias a Gutenberg, el avance en la claridad del sistema de notación musical y las impresiones de partituras. Ottaviano Petrucci consiguió imprimir una partitura en varias y sucesivas etapas: primero imprimía el pentagrama, luego las notas y finalmente las letras y palabras.

Los instrumentos, más que nada los aerófonos, son peculiares. Uno con forma de serpiente, otro con forma de botellón, otro parecido a un bastón...

Y aquellos que son los directos antepasados de los aerófonos orquestales actuales: el cornetto, el sacabuches (del trombón de varas), el bajón (del fagot), la chirimía (del oboe). 

En los cordófonos de teclado encontramos el antepasado del piano, el clavicordio, y un instrumento de cuerda pulsada, el clavecín.

En cordófonos frotados, la viola da gamba, de diferentes tamaños.

En los cordófonos pulsados los más populares serán variantes de instrumentos que ya existían en el Medioevo: el laúd (con sus variantes, como ser el archilaúd), la cítara (cittern), la vihuela.

cithrinchen o bell cittern
cittern u orpharion inglés

                


Los géneros musicales, por tanto, son básicamente vocales. La polifonía, que había aparecido en la Baja Edad Media con el organum en la Escuela de Notredame, siguió evolucionando. Las voces podían ser dobladas por instrumentos en los villancicos y en los madrigales, chansons, lieder, villanellas, frottolas... 

En la música litúrgica, el motete es uno de los géneros que tendrá más peso. Y, por supuesto, la misa. 

En la música instrumental, un género que se fija en este periodo es la suite, que es una serie de danzas de tiempos contrastantes. Siendo su origen los pares de danzas, la una lenta y la otra rápida, fijará en cuatro sus números, con danzas de orígenes distintos: la allemanda de Alemania, la courante de Francia, la sarabanda de España, la giga, de Inglaterra. Se bailaban en la corte o en las plazas, cada vez que se tenía a mano un consort, conjunto de varios instrumentos de la misma familia.

Una de las piezas que hemos estudiado en la entrada de los Austrias es la chanson polifónica preferida de Carlos I, Mille regretz, del francoflamenco Josquin des Prés, de la que hicieron tanto versiones algunos francoflamencos como compositores españoles.

Veremos la melodía en una misa parodia, que son aquellas que usan como material compositivo melodías de canciones profanas en vez de cantos gregorianos. 


Tielman Susato, flamenco, también hizo una versión en forma de danza lenta, de pavana:



Veamos el motete O magnum mysterium, que ya conocíamos  compuesto por Tomás Luis de Victoria, en la versión de Giovanni Pierluigi da Palestrina.


Música inglesa:

Aire Flow my tears, de John Dowland.

Flow my tears, fall from your springs
Exiled forever, let me mournWhere night's black bird her sad infamy singsThere let me live forlorn
Down vain lights, shine you no moreNo nights are dark enough for thoseThat in despair their lost fortunes deploreLight doth but shame disclose
Never may my woes be relievedSince pity is fledAnd the tears and sighs and groans, my weary daysMy weary days of all joys have deprived
From the highest spire of contentmentMy fortune is thrownAnd fear and grief and pain for my deserts, for my desertsAre my hopes, since hope is gone
Hark, you shadows that in darkness dwellLearn to contemn lightHappy, happy they that in hellFeel not the world's despite
Hark, you shadows that in darkness dwellLearn to contemn lightHappy, happy they that in hellFeel not the world's despite

En versión de Sting.


Un aire incluido en la obra de Shakespeare As you like it, escrito por Thomas Morley.


It was a lover and his lass,
With a hey, and a ho, and a hey nonino,
That o’er the green cornfield did pass,
In springtime, the only pretty ring time,
When birds do sing, hey ding a ding, ding;
Sweet lovers love the spring.
Between the acres of the rye,
With a hey, and a ho, and a hey nonino,
Those pretty country folks would lie,
In springtime, the only pretty ring time,
When birds do sing, hey ding a ding, ding;
Sweet lovers love the spring.
This carol they began that hour,
With a hey, and a ho, and a hey nonino,
How that a life was but a flower
In springtime, the only pretty ring time,
When birds do sing, hey ding a ding, ding;
Sweet lovers love the spring.
And therefore take the present time,
With a hey, and a ho, and a hey nonino,
For love is crownèd with the prime
In springtime, the only pretty ring time,
When birds do sing, hey ding a ding, ding;
Sweet lovers love the spring.


Un amante y su enamorada
Con hey y su oh, y su hey nonino
Se pasean por los trigales verdes
En la primavera, la única agradable temporada para casarse,
Cuando los pájaros cantan, hey ding a ding a ding 
Los dulces enamorados gustan de la primavera.
Entre los montones de centeno,
Con hey y su oh, 
y su hey nonino
Los bonitos campesinos se echan,
En la primavera, la única agradable temporada para casarse.
Cuando los pájaros cantan, hey ding a ding a ding
Los dulces enamorados gustan de la primavera.
Así disfrutan del tiempo
Cuando los pájaros cantan, 
hey ding a ding a ding
Los dulces enamorados gustan de la primavera.
Porque el amor es rey.






Vídeo resumen del Renacimiento español:



Colorful Context System Concept Map Infographic de carolina.monacci@beatafilipina.com








martes, abril 27, 2021

Romanticismo, generalidades. Nacionalismos, piezas intimistas para piano. Página con ejercicios para responder.

Introducción. Generalidades

Varias veces hemos hablado de lo clásico y lo romántico en las artes.
Lo clásico responde a las etapas en las que impera el equilibrio, la proporción, la mesura.
Son etapas en las que se generan estructuras porque hay una obsesión formal. Importa más el continente que el contenido.
Suelen ser más objetivas que subjetivas, más racionales que emocionales.
Estos periodos suelen alternarse, como un péndulo: a un periodo clásico sucederá uno romántico.

Tomando el Renacimiento como ejemplo de lo clásico, podemos ver la figura geométrica que mejor representa la estabilidad: el triángulo, en la composición formal de estas pinturas.
Notaremos también el críptico hieratismo de sus rostros, los cánones y proporciones griegas, la belleza idealizada. La luz parece ser ubicua, y no genera sombras.



En los periodos románticos se subraya lo emocional y lo pasional, son etapas en las que prima el contenido por sobre el continente, en que los contornos se tornan difusos y las formas se exigen hasta el máximo.
La figura geométrica que mejor grafica estos periodos es el círculo, o mejor aún, la línea curva.
Encontramos movimientos circulares en las torsiones de las figuras de los cuerpos, aparecen las arrugas en las pieles, los claros y las  sombras, la crispación en los rostros.
Los personajes mitológicos tienen menos presencia y aquellos seres cotidianos o de los bajos fondos se hacen visibles vistiendo sus ropas ajadas, en las que parece podemos percibir los olores de los guisos.  Sus manos sucias y laboriosas y las marcas de los años surcando los expresivos ojos sitúan al retratado en el plano terrenal.



Los artistas románticos retratarán el espíritu atormentado y genial, implorando a las musas por un ápice de inspiración desde el dolor del hecho creativo y la tortuosa voluptuosidad del genio. Ya desde el Barroco el cuadro asemeja una escena teatral, con puntos de luz definidos que crean dramáticos contrastes de claros y oscuros.




Vídeo resumen: 



Ejercicio 1: haz un resumen con tus propias palabras del texto leído hasta el momento y luego comenta si has experimentado en tus propias vivencias periodos clásicos y románticos, explicando en cuál crees estar ahora y por qué.

En cuanto a la orquesta, si en el Barroco se formó como tal y delineó en grandes rasgos, con la sección de cuerda como fortaleza (recordemos la magnificencia de los cordófonos de arco en la época de los insuperables luthiers de Cremona: Stradivari, Amati y Guarneri), y en el Clasicismo se perfeccionaron los aerófonos gracias a Theobald Böhm con la inclusión de llaves y platos, en este periodo la sección que adquirirá mayores proporciones y sumará nuevos elementos será la percusión.
A los solitarios timbales se unirán campanas, instrumentos de placa, gongs, platillos, látigos...

                        





Ejercicio 2: busca información sobre la sección de percusión en la orquesta romántica, con imágenes de los instrumentos nuevos y su clasificación (recuerda que los idiófonos hacen que vibre el propio cuerpo del instrumento, mientras que los membranófonos solo hacen vibrar una membrana).

Los compositores del Barroco y los del Romanticismo tendrán afinidades que podemos recordar en esta entrada.

De hecho, en la obra que te presento ahora vemos con claridad ambos periodos aunados: sobre el preludio de Johann Sebastian Bach -barroco- hará Charles Gounod -romántico- una melodía a la que pondrá como texto el Ave María (Dios te salve, María).







El siglo XIX verá nacer dos grandes países europeos: Italia y Alemania (el segundo Reich) en 1860 y 1871.

Es la época de los nacionalismos. Se valora el acervo popular, las canciones folklóricas. Lo que antes parecía paleto o campechano ahora se erige en lo auténtico y genuino. Los compositores intentarán dotar a las obras de tintes propios, de reminiscencias folklóricas.

Países que antes no habían hecho acto de presencia en el panorama musical irrumpen con sorprendente vitalidad.
Es el caso de Finlandia, con Jean Sibelius pintando en música su patria en el poema sinfónico del mismo nombre o de
scribiendo en su Suite Lemminkäinen el Kalevala; de Checoslovaquia, con Bedřich Smetana describiendo el río Moldava, y Antonin Dvorák; de Rusia con el grupo de los cinco: Rimski Korsakov, Mussorgsky, Borodin; de Noruega con Edward Grieg.
Escuchemos, pues, una obra de cada uno de ellos.




En España tendremos extraordinarios compositores nacionalistas, mundialmente reconocidos.
De Enrique Granados heredamos entre otras perlas la Danza Española número 5, aquí en versión con acompañamiento de castañuelas.



De Isaac Albéniz y su Suite española escucharemos uno de los números, Asturias. Esta versión también con acompañamiento de castañuelas.



Contrapuesto a la vehemencia, a la intensidad fluctuante, a la profusión de rubatos, de accelerandos y ritardandos, a la exacerbación de las emociones y las tormentas anímicas que describen estas obras encontramos en el Romanticismo piezas intimistas.
El piano será el instrumento por excelencia en este tipo de obras en la que las más sutiles emociones son descriptas con sonidos, en que las notas parecen susurrarnos hondos arcanos y acariciarnos levemente.

Tenemos a un polaco genial y exquisito: Frédéric Chopin.
Sus obras mostrarán ya en sus denominaciones el espíritu etéreo y vaporoso: nocturnos, impromptus, fantasías.





Otro ejemplo de este tipo de piezas es el Sueño de amor, del húngaro Ferenç Liszt. Puedes tocar la versión fácil y abreviada con la flauta proporcionada en este enlace.

Magnífico el austriaco Franz Schubert abriendo su alma en este Impromptu nº3:



Paralelamente a este fenómeno de íntimas confesiones en modo de notas hubo una ebullición de artistas (tanto intérpretes como compositores) que prefirieron obras en las que el virtuosismo y la habilidad técnica llevada hasta límites insospechados despertaran la admiración, la fruición y hasta el desvanecimiento de los oyentes.
Tenemos en Niccolò Paganini un acabado ejemplo de ello.
Este compositor y violinista recorrió el mundo, cobrando su peso en oro por sus excéntricas actuaciones.
Llegó a tocar en las más importantes cortes europeas. Aquí tienes unos minutos de su actuación ante el zar Alejandro I y Napoleón.




Podemos ver un extraordinario documental acerca de este singular personaje en este video.

Es tiempo también de grandes óperas.
Muchas, por supuesto, tendrán como temas leyendas de cada país. Otras mirarán hacia el folklore de países que les llamaban la atención por sus exóticas evocaciones.
Es el caso de la ópera de temática más española (o con más tópicos): Carmen, escrita por Georges Bizet, francés, y que encontrarás en el blog en este enlace (versión abreviada y cantada en inglés pero subtitulada al español).
Giuseppe Verdi también compondrá óperas memorables, La Traviata, Il trovatore, Rigoletto -cuya versión abreviada y en inglés pero con subtitulado español encontrarás en el blog en este enlace).
Basándose en la mitología germana, Richard Wagner compondrá su famosa tetralogía, entre la que se encuentra la ópera Las Valquirias, y de la cual es famosa su cabalgata. Escoge tu puesta favorita:


                

Habrá también, cómo no, obras compuestas para el solaz de las clases altas. La familia Strauss se dedicó a hacer magníficos valses. Escuchemos dos de ellos.

    



Ejercicio 3: mira los videos de las versiones abreviadas de Carmen, Rigoletto y la versión cuento de El zar Saltán y resume los argumentos, nombra los autores y cita el aria más conocida de cada una de las obras diciendo qué personaje la canta y en qué situación.
  
Ejercicio 4: describe a elección cualquiera de las obras intimistas para piano propuestas en la entrada y las emociones que te transmite.


Ejercicio 5: toca en flauta este fragmento de la Sinfonía del Nuevo Mundo de Antonin Dvorák, graba un video casero y envíalo a la profesora.



 
Ejercicio 6: lee estas entradas (POEMA SINFÓNICO 1, POEMA SINFÓNICO 2) sobre el género nuevo, el poema sinfónico. Enumera sus características y relata con tus propias palabras el argumento de los siguientes tres poemas: En las estepas del Asia central, de Borodin, L'apprenti sorcier, de Dukas y Una noche en el monte Pelado, de Mussorgsky.
Si quieres un punto extra envía a la profesora un vídeo tocando este arreglito del poema sinfónico: En las estepas del Asia Central.
 
Ejercicio 7: lee esta entrada (Músicos y Napoleón) y responde: ¿Qué es un lied? ¿Sobre qué habla el lied de Schumann estudiado en esta entrada? ¿Qué melodía incluye? ¿Qué obra y de qué compositor copia esta idea?
¿Qué dice la letra de Dios salve al zar y en qué obra y de qué autor la encontramos?
 
Ejercicio 8: Lee esta entrada: (Músicos y Napoleón III) y responde: ¿Qué melodías inglesas están incluidas en La victoria de Wellington, de Beethoven? Escucha la Obertura 1812, de Tchaikovsky, e identififca las melodías populares insertas en la pieza. 
Escucha la Cantata 5 de mayo, de Berlioz.

Ejercicio 9: mira este video sobre estos instrumentos, clasifícalos y describe las diferencias. Cita al menos una obra en que aparezcan.
 
Una de las rupturas que este periodo pasional, tendiente a la ruptura de reglas y de estructuras, se ve en la incorporación de un coro y cuatro solistas vocales en el último de los movimientos de la última de las sinfonías que compuso Ludwig (Luis) van Beethoven.



Ejercicio 10: escucha el movimiento previo y haz un resumen del contenido de la letra, indicando quién canta en cada momento (si el coro o cuál de los solistas -nómbralos según su registro vocal-.

miércoles, abril 14, 2021

Clasicismo, generalidades. (Página con ejercicios para responder)

La Edad Moderna termina igual que comenzó: con un periodo clásico, racional. En este caso, el Clasicismo, o Neoclasicismo.

Como todo periodo clásico, tiende al equilibrio, a la proporción, a la simetría, al orden, y es amante de las formas y las estructuras. 

La razón prevalece sobre la pasión, el continente cobra más peso que el contenido. Las formas han de ser respetadas. Incluso los nombres marcarán las diferencias. Te pongo un ejemplo.

El género más importante que aparece en este periodo es la sinfonía.

Esta forma se llamará sinfonía si es ejecutada por una orquesta; pero si en vez de una orquesta los intérpretes son cinco instrumentos de cuerda, se denominará quinteto de cuerdas. Y si en vez de ser cinco son cuatro, cuarteto de cuerdas. Y si no son ni orquesta, ni cinco ni cuatro cordófonos, se llamará... sonata.

Sí, así de obsesivos con el orden son estos clásicos.

Ejercicio 1

Deduce qué podrían estar tocando estos conjuntos instrumentales:

A
B
                                                                             
C
D
                                                                  

Este nuevo género tendrá cuatro movimientos: el primero será rápido: allegro; el segundo será lento: andante/adagio/largo; el tercero tomará su nombre de una de las danzas de la suite: minuet, o minuetto, que igual que el vals tendrá compases de tres tiempos; y el cuarto movimiento será un allegro.

El minuet consta de dos melodías (A y B), y comienza su andadura muy lejos, en el alto Renacimiento. Luego en el Barroco estas danzas de la suite generalmente se componían ya únicamente para ser escuchadas pero seguían bailándose en las cortes. 
Adjunto un videíto para recordarlas y para que sientas el compás valseado de 3 tiempos:


El minuetto que estudiamos en clase es el de Luigi Boccherini, de un quinteto de cuerdas.

Recapitulando.
En general el tercero de los movimientos de una sinfonía o un cuarteto de cuerdas o una sonata tiene forma minuet
Esto es melodía A, melodía A, (un breve paréntesis), melodía A, (paréntesis) melodía A.
Y luego, cual frontis triangular: melodía B, melodía B, (paréntesis), melodía B, (paréntesis) y melodía B. A esta parte central se la denomina trío.
Para terminar, melodía A, (paréntesis), melodía A.

La misma melodía A del minuetto puede servirnos para graficar lo visto acerca de los periodos clásicos:


Pasemos a otra forma.

El segundo movimiento de estos géneros que estamos viendo, el que suele ser lento (que ya sabemos que puede llamarse adagio o largo o andante) la estructura puede ser la del tema con variaciones
Para esto voy a remitirte a esta entrada: mira la obra plástica llamada Tema y variaciones.
Verás que hay solamente un tema, un objeto,
 que es la carita de la mujer amada por Piero Fornasetti, que se presenta con alguna diferencia cada vez.
En música será igual: la melodía o tema ES UNO, pero se lo va variando paulatinamente.

Te pondré un ejemplo cercano.
Escucha la versión de Estrellita dime tú. Quizá la conozcas por su versión inglesa, Twinkle, twinkle, little star, o la italiana Bella stella dimmi tu.


Y ahora escucha las variaciones sobre esta canción realizadas nada menos que por...
Mozart.



Vamos a analizar un poco cómo se hacen estas variaciones. 
En la obra de Fornasetti vimos que el tema es uno, la cara de la cantante de la que está enamorado. 
Así como Piero hacía que Natalina sacara la lengua, o guiñara un ojo, o su rostro apareciera surcado por lágrimas, Mozart modifica la canción.
Primero presenta el tema tal cual. 
Las dos manos llevan el mismo ritmo, rígido, de negras. La mano derecha lleva la melodía, la derecha acompaña, sugiriendo los acordes.
En la primera variación, la melodía será tocada por la mano izquierda, la de los graves, la que está en el pentagrama de abajo y agrega algún puntillo, que hace efecto de salticado, mientras que la mano derecha, la de las notas agudas, borbotea incesantemente en semicorcheas.
En la segunda variación la melodía la melodía vuelve a la mano derecha, a las notas agudas, mientras que el parloteo lo lleva la mano izquierda, con semicorcheas.
En la tercera variación el clima sonoro cambia. Escucharás que la mano derecha hace delicados tresillos arpegiando acordes y la melodía está en la mano izquierda, apenas sugerida. Ya se va escapando del molde original.

Ejercicio 2:

Escucha el himno alemán.


Este himno toma su melodía de un cuarteto de cuerdas, el Cuarteto de cuerdas El emperador de Joseph Haydn, un compositor austriaco. Escucha el segundo movimiento, el lento, y describe qué sucede en cada una de las variaciones.



El segundo movimiento, o el cuarto mayormente también pueden tener forma rondeau. O rondó, si se castellaniza.
Sí, claro, te suena de las canciones de los trovadores de la Baja Edad Media.
El rondeau existía como forma de canción en el Medioevo, y la estructura seguirá más o menos teniendo la misma impronta: una melodía A que se alterna con otras (B, C, D y así).
Básicamente es ABA, CADA
Las melodías intercaladas con A -que sería como un estribillo- generalmente suelen tener una intensidad o tensión creciente.
La pieza comienza calmada y de a poco una ligera brisa va transformándose en viento y finaliza con un huracán, por poner una analogía. 
Vamos a escuchar esto en un rondeau de Beethoven perteneciente a la Sonata para piano llamada Patética.


La melodía A dura hasta el segundo 41. Hay una transición breve que lleva a la repetición de A
A partir del 1'17'' al comenzará la segunda melodía, B. Notarás que la mano izquierda marca un pulso duro, que ya presagia algo de tensión e indica que la atmósfera comienza a cambiar y a enrarecerse. En el 1' 46'' acaba B, pero hay un pequeño pasaje que nos llevará nuevamente a A. Este pasaje también indica cierta inestabilidad, tanto en lo armónico como en las duraciones tambaleantes, inestables.
En el 2'15'' vuelve a escucharse la melodía A, que acaba en el 2'48''.


Aquí tienes un tutorial que puede servirte de ejemplo: 


Ejercicio 3:

Sigue escuchando el rondeau y marca con minutos y segundos la extensión de C, y la vuelta a A. Verás que en C aparecen los tresillos. Dime, ¿continúa luego con tresillos en el A final o 
vuelve a los tiempos binarios? ¿Se repite A al final, tal como sucedió al comienzo?


Pasemos a la orquesta.
La orquesta aumentará el número de intérpretes, y mejorará la sección de los aerófonos gracias a Theobald Böhm, quien agregará llaves y platos al mecanismo de las flautas. Te comenté en clase que Theobald se pagaba sus clases de flauta mejorando en su tallercito estos instrumentos. Lee algo sobre este músico aquí.

Un instrumento que aparece en el Clasicismo será el clarinete, instrumento de una lengüeta.
Ya había habido desde tiempos inmemoriales instrumentos de una lengüeta, que podemos considerar antepasados del clarinete. Entre ellos, el chalumeau, ejemplar que les enseñé en clase.


Más obras para las audiciones:

El concierto aparece en el Barroco, y en épocas posteriores muchos compositores escriben conciertos.
En cuanto a las audiciones, escucha el Concierto para clarinete de Mozart, el Concierto 21 para piano de Mozart, recordando que este género instrumental suele tener UN SOLISTA y tres movimientos, siendo el del medio el lento.

La misa como género será obviamente litúrgico, es decir, nace para ser interpretada en un ámbito sacro. Y claro, la letra será en latín.
Veremos algunos números de la Misa de Requiem de Mozart: el Rex (rey), el Dies Irae (día de la ira), el Requiem y Kyrie Eleison  (Señor, ten piedad), el Confutatis.

En cuanto a la sinfonía, vamos a escuchar la tercera de Beethoven, que dedicara a Napoleón Bonaparte en un primer momento y cuya dedicatoria borrara luego (al coronarse a sí mismo emperador) con tanta furia que rasgaría el papel de la partitura.


Ejercicio 4:

De la versión enlazada nombra y clasifica los instrumentos que se ven en:
a) 1'15'' en la percusión; b) 1'34''; c) 2' 18''; d) 2' 28'' -los dos-; e) 4'; f) 4'16''; g) 5'09''; h) 6'02''; i) 6'48''; j) 7'04''; k) 7'51''.


¿Te acuerdas de la historia de Orfeo y Euridice que vimos a comienzo de curso?
Pues Christoph Gluck hizo una ópera con este tema, y el aria en que Orfeo llora porque ha cedido a la tentación, cuando se ha vuelto para cerciorarse de que Euridice lo seguía y entonces la pierde, ese aria se ha hecho famosa.
Como en esa época aún los principales papeles operísticos estaban destinados a ser cantados por castrati que poseían un registro vocal femenino, hoy día es muy común que sean interpretados por mujeres. Este es el caso: Orfeo es una mujer en esta versión.
Otra posibilidad es conseguir algún contratenor que se aboque al papel, pero esas voces tan versátiles en hombres son dificilísimas de hallar. Claro que siempre nos queda Jaroussky...
En La flauta mágica, de Mozart, también sucede que se conocen ciertas arias despegadas de la obra, como esta en la que la Reina de la Noche amenaza a su hija Pamina.


deo resumen de los principales puntos de periodo:



Ejercicios

1.- Comenta las características generales del Clasicismo, qué sector de la orquesta evolucionó, cómo y gracias a quién, qué instrumento nuevo apareció y clasifícalo según el modo de producción sonora. 
2.- Comenta los diferentes nombres que se le da al género instrumental que toma forma en este periodo y cómo se llama según la conformación del grupo que lo interprete. Haz el ejercicio 1 del cuerpo de la entrada.
3.- Cita los tempi de los movimientos y qué forma suelen tener el segundo y el tercero de ellos.
4.- Describe la melodía clásica.
5.- Averigua qué es la anacrusa y por qué está señalada como comienzo en el Minuet de Luigi Boccherini. Cita cualquier otra canción infantil o popular que comience con anacrusa.
6.- Describe el tema con variaciones. Haz el ejercicio 2 que encontrarás en el cuerpo de la entrada.
7.- Explica por qué en las obras de Mozart encontramos una letra K y un número. A tal efecto, lee un poco de esta página, resume y redacta la respuesta con tus propias palabras.
8.- Haz el ejercicio 3 del cuerpo de la entrada sobre el rondeau.
9.- Identifica cuál de estas líneas es semejante a un tema con variaciones, cuál a un rondeau y cuál a un minuet. Justifica tu respuesta.

Quizá te ayude, en pos de comprender mejor las estructuras, ver este trabajo de unas alumnas:
 

 
10.- Haz el ejercicio 4, identificando los instrumentos que verás en la Sinfonía número 3 Heroica de Beethoven.


jueves, marzo 11, 2021

Barroco, generalidades (página con ejercicios)

El Barroco es el periodo intermedio de la Edad Moderna. 

Aproximadamente se sitúa entre 1600 y 1750.

En esta época hubo avances en muchos campos de la música, y uno especialmente relevante: la mejora en la construcción instrumental, especialmente de los cordófonos frotados.

En la ciudad de Cremona coincidieron tres familias de luthiers: los Stradivari, los Amati y los Guarneri, que hicieron unos ejemplares que al día de hoy son sonoramente insuperables. 
A Andrea Amati, que fue el pionero de la terna, se le atribuye la construcción del primer violín, en 1555, encargado por uno de los Medici (estamos hablando del Renacimiento, pero sus descendientes continuaron con el oficio familiar).

Múltiples han sido las teorías sobre la causa de tan magnífico sonido, pero no se ha descubierto aún (pese a que se copiaron con exactitud, se replicaron minuciosamente, se hicieron rayos x en busca de alguna pieza interior mágica, y se analizó químicamente el barniz). 

Los ejemplares que perviven valen millones de dólares. Si quieres ver alguno personalmente puedes acercarte al Palacio Real de Madrid. 


Allí, custodiado en vitrinas, hay un cuarteto, llamado Stradivarius palatino:


Si te interesa, puedes ver este documental.

Y, como curiosidad, alguna de las múltiples anécdotas sobre estos instrumentos: la del Stradivarius olvidado en un tren o de algún robo.

Gracias a que la sección de las cuerdas suena tan bien se conforma la orquesta casi tal como la conocemos hoy, si bien constituida por pocos instrumentos y con el clavecín como instrumento de teclado. 

 

Como podrás ver, alrededor del director se sitúan los cordófonos de arco, luego los aerófonos (y los de más volumen, los más gritones, los de metal, más hacia el fondo, lógicamente) y detrás de todo los timbales, que durante todo el resto de la modernidad constituirán el único y solitario instrumento de percusión.

Mira cómo eran los aerófonos barrocos y cita la diferencia más notable con los actuales:

En esta flauta travesera notarás que está hecha de madera o bambú, pero además le falta algo...
¿Qué le falta a esta trompeta? Compárala con una imagen de trompeta moderna.



Este oboe de la derecha tiene una hermosa madera tallada, pero, ¿cómo se obturan los orificios?


    

Gracias al nacimiento de la orquesta -en el Renacimiento había consorts, pero no con la misma jerarquía y generalmente de la misma familia instrumental- y a la precisión en el sonido y afinación de las cuerdas frotadas, proliferarán los géneros instrumentales.

Surgirá el concierto, con las variantes para uno o más solistas; la toccata -principalmente para teclados,- con su homólogo, el preludio; la sonata; la suite, y luego géneros mixtos, que serán aquellos en que además de música instrumental hay música vocal: la ópera; la cantatael oratorio.

En cuanto a este último género, vamos a adentrarnos en El Mesías, de Georg Friedrich Händel. Aprenderemos algunos números de memoria en su inglés original. 

Este oratorio nos cuenta de la llegada del mesías, esto es, de Jesús.
Tiene tres partes: la primera comprende 19 números (recitativos, arias y coros) y en ella se anuncia la venida del salvador, de Jesucristo. En la segunda, de 23 números, nos habla de la muerte de Jesús, y en la tercera parte, de 9 números, relata la resurrección.

Debes deducir a qué parte corresponden estos números escogidos por la profe para cantar en clase, y buscar el significado de los arcaísmos thy, thee, thou, y las terminaciones de verbos que te llamen la atención:

                        

                                                       
        
                        
            
En uno de los ejemplos de arias de esta selección podrás ver claramente cómo hace Händel uso de la hipotiposis. En este número se nos dice que la llegada del mesías igualará a los hombres, y nos compara a los mortales con un paisaje. 
Dice que cuando llegue el salvador todo lo torcido se enderezará, las montañas se aplanarán y los valles se elevarán y todo será llano, es decir, todos seremos iguales ante sus ojos. 
Nos juzgará por nuestras acciones independientemente de nuestro rango. Como cuenta el dies irae, los siglos se reducirán a cenizas y quedaremos a expensas del designio divino.
Y todo eso está pintado con notas musicales.
Escucharás que cuando habla de elevar valles las escalas ascienden, como si tirara de ellos hacia arriba (se llama anábasis, el antónimo de catábasis), y para señalar la intención de bajar montañas y valles, usa notas graves, en especial en la palabra low, en que el registro se hunde. También hace notas tenidas, largas y planchadas cuando se refiere a plain.

En cuanto a géneros que no nacen en el Barroco pero que se continúan, veremos la suite.
En clase escuchamos dos números de distintas suites orquestales de Bach: la Badinerie y el Aria, de Bach. Repasaremos este tema en la siguiente entrada: suite.

Pasemos ahora al género concierto.

Es este un género instrumental que tiene una característica distintiva, como acotamos anteriormente: que hay un instrumento que se destaca, que hace el papel del solista.
Generalmente está situado al lado del director, de pie, y generalmente viste con otro color que el resto de la orquesta. Por otra parte, al resto de la orquesta se lo denomina tutti o ripieno (todos o relleno).

Los conciertos tienen tres movimientos con tiempos (velocidades) contrastantes, opuestas: suelen comenzar con un movimiento rápido (allegro, se lo llama), luego uno lento (largoadagio o andante -casi sinónimos-) y finalmente (¡caramba, otro sandwich!) el allegro final, que, como corresponde, es más rápido, más vertiginoso.

Vamos a escuchar un concierto con sus tres movimientos. Este concierto es de un compositor barroco italiano: Antonio Vivaldi, il prete rosso (era cura y pelirrojo).




El concierto nació con dos variantes: en una de ellas tenía solamente un solista, como acabamos de ver. En la otra, en vez de ser uno solo el solista son un pequeño grupo. En estos casos, el concerto se denominará grosso (grueso).
Ejemplos de concerti grossi son los Concerti de Brandenburgo de Johann Sebastian Bach, del que estudiaremos el segundo.
Fíjate que tiene 3 movimientos, el primero allegro (rápido), en que los del grupo solista (grupo concertino) dialogan con el resto de la orquesta, llamada tutti o ripieno (todos o relleno). Los del ripieno suelen tocar una melodía que repiten, que vuelve constantemente, por eso se denomina ritornello.



Identifica los instrumentos integrantes del grupo concertino.

Entre los géneros instrumentales del periodo tenemos también las fugas, generalmente precedidas ora por una toccata, ora por un preludio.

Bach compuso varias fugas precedidas por preludios, y están recopilados en el libro llamado El clave bien temperado (el clavecín con afinación justa). Escucharemos el primero de ellos.






Y ahora una Toccata y fuga, para órgano.


En cuanto a la ópera, ya has visto una ópera barroca en su totalidad: Dido y Eneas, de Henry Purcell.

Este género nace a principios del Barroco gracias al grupo de amigos florentinos, la Camerata fiorentina. Se reunían en la casa del conde de Bardi para celebrar tertulias culturales. Los integrantes principales eran: Jacopo Peri, Giulio Caccini, Ottavio Rinuccini.


Uno de los temas que estaban en la palestra debido a las excavaciones y descubrimientos de la cultura grecorromana del humanismo era dilucidar cómo serían las tragedias griegas.
Se conservaban trozos de música de coros. Entonces, el teórico Girolamo Mei se preguntó si era posible que toda una obra, toda una tragedia, fuera cantada. Sonaba ridículo. ¿Quién entraría en semejante convención?
Y se propusieron crear una. Por supuesto, la temática era mitológica. Luego también tomarían como argumentos personajes históricos.
Dafne, pues, fue el primer argumento escogido. Un mito griego, de transformación de la ninfa-perseguida por Apolo-, en un laurel.

Aquí, el Soneto XIII de Garcilaso:

A Dafne ya los brazos le crecían,
y en luengos ramos vueltos se mostraban;
en verdes hojas vi que se tornaban
los cabellos que el oro escurecían.

De áspera corteza se cubrían
los tiernos miembros, que aún bullendo estaban:
los blancos pies en tierra se hincaban,
y en torcidas raíces se volvían.

Aquel que fue la causa de tal daño,
a fuerza de llorar, crecer hacía
este árbol que con lágrimas regaba.

¡Oh miserable estado! ¡oh mal tamaño!
¡Que con llorarla crezca cada día
la causa y la razón porque lloraba!


Gracias al éxito que este experimento tuvo, comenzó su feliz andadura la ópera.
Y con ella, el nacimiento de los divos del canto. Si un muchacho, uno de los seises, destacaba, se proponía su castración, a fin de mantener el registro agudo. Podían cantar como sopranos o contraltos, pero con mayor potencia y otro color. 
Para ver el tema de los castrati revisa esta entrada o lee este artículo.

Uno de los primeros castrati famosos fue Carlo Broschi, napolitano. Su nombre artístico era Farinelli. Estuvo en España cantando para Felipe V, el primero de los Borbones españoles.


Vídeo resumen de los principales puntos de esta entrada:





Ejercicios

1. Averigua cuáles eran las diferencias entre un consort y la orquesta.
2. Averigua quién fue Bartolomeo Cristófori.
3. Comenta las diferencias y similitudes entre el clavecín, el virginal y la espineta.
4. Di cuál es el faltante más notorio en los aerófonos barrocos comparados con los instrumentos actuales. 
5. Comenta las similitudes entre el preludio y la toccata.
6.- Define sonata.
7. Cita los movimientos de un concierto y explica el significado de sus nombres. Di la diferencia más significativa entre un concierto para solista y un concerto grosso. Da un ejemplo de cada uno de ellos.
8. Comenta quién fue Farinelli, cuál era su nombre real y qué relación tuvo con España. (Lee esta entrada).
9. Cita los luthiers de Cremona famosos y cuáles podrían ser los motivos de la calidad sonora extraordinaria de sus instrumentos.
10. Comenta qué cambio significativo hubo en este periodo en la suite y cita los dos números de las suites de Bach estudiados y el significado de sus nombres en español (esta información está en la entrada suite).
11. Del oratorio de Händel, debes aprender la letra del coro famoso, con el que finaliza la segunda parte.
12. Comenta el nacimiento de la ópera y nombra los integrantes de la Camerata.

Completa: 

Hallelujah, for the ________ ________ omnipotent reigneth! The _________ of this ______ is ___________ the kingdom of our Lord and of _______ _______, and he shall reign for ______ and ________. King of _______! And Lord of __________! 

13. Escribe la letra del otro número que hayas escogido.
14. De la ópera Dido y Eneas, de Henry Purcell, debes saber la letra del aria de Dido, del final de la obra. 

Completa:

When I'm ________ in earth, may my __________ create no __________ in thy __________. Remember me! But ___________ my ____________.

15. Señala el esquema de la Cantata del café y nombra los personajes con sus respectivos registros vocales.
16. Aria y recitativo: di en cuál de ellos la acción sucede más rápido, en cuál es mayor el interés melódico, en cuál el canto se acompaña únicamente con el violoncello y el clavecín. Da un ejemplo de cada uno de El mesías y de la Cantata del café.
17. Comenta el episodio del nacimiento de la fuga La ofrenda musical.

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