La forma en la música

 La música es un arte temporal.
Pasa. Sucede. Queda en nuestra memoria, podemos recrearla si tenemos cierto poder de retentiva ya sea silbándola, cantándola o tocándola en un instrumento.

A partir del perfeccionamiento de la escritura musical, adquirió cierta corporeidad y la capacidad de perpetuarse: las partituras viajaron a través de las centurias gracias a esas pequeñas manchas de tinta situadas entre líneas.

La música, como las artes plásticas, tiene también forma.
Es más difícil de percibir, quizá, pero la tiene. Y te preguntarás qué elementos constituyen la forma musical.
En un cuadro tenemos las líneas del dibujo, o las manchas de colores que representan objetos o formas o texturas. En una obra de teatro tenemos escenas, cuadros, actos.

En la música las formas se construyen a partir de las melodías.

Una melodía es una frase con sentido propio, digamos algo así como la analogía de la oración. Tiene momentos de reposo, de tensión, y hasta tiene un punto al final.

El primer paso para reconocer formas musicales, pues, es identificar las melodías. Y recordar la primera que aparece es esencial, ya que nos indicará el orden de las estructuras mayores: si esa misma melodía se repite (A-A), si al repetirse se modifica (A-A'), si no se repite y luego de ella aparece otra (A-B).

Veamos como ejemplo una melodía clásica, extraída de un minuet de un Quinteto de cuerdas de Luigi Boccherini.

Verás que podemos distinguir dos partes en esta oración sonora: la primera está conformada por las dos preguntas, y se nota claramente que falta la resolución, que allí no acaba la oración. 

La segunda parte dura lo mismo que la primera, y termina resolviendo la tensión, escuchamos que es el final. Nuestro oído reconoce el familiar, casero y coloquial chim-pum.

Escucha la melodía.

Una vez identificada y recordada la primera melodía, procederemos a identificar la forma de la pieza.

A tal fin, denominaremos A a esta primera oración musical. 

Verás que el pulso es constante, diríamos que casi mecánico, como si proviniese de un organillo o acompañase los innumerable e inútilmente trajinados senderos del tío-vivo. 

(Escucha la melodía mientras marcas los pulsos con un boli en la mesa).

Esto sucede casi siempre en las piezas de este periodo. Los clásicos se sienten cómodos en lo previsible, en lo simétrico, lo balanceado, lo racional. (Nietzsche sabía mucho de esto, de la convivencia y alternancia entre clásico y romántico, apolíneo y dionisíaco).

Esta es, pues, la primera de las melodías, la melodía A de este minuet.

Es más fácil identificar sus partes si les ponemos una letra acorde.
En la melodía que estamos viendo, sus dos partes son idénticas en duración. Empiezan con una anacrusa, -unas notas anteriores al tiempo fuerte inicial-, tiene compases de tres tiempos y cada parte tiene cuatro compases.

Para ponerle letra, a cada nota debes adjudicarle una sílaba:

 Antecedente: _ _ _ _ / _ _ _ _ / _ _ _ _ _ _ _ /  _ _ _ _ / _ _ _    

Consecuente: _ _ / _ _ _ _ _ _ / _ _ _ _ _ _ / _ _ _ _ _  / _

Cada uno de los guiones bajos que ves es una de las sílabas. Aquellos que están resaltados, que son de trazo más grueso, indican que son sílabas tónicas. Algunas están a medio camino, porque serían notas semifuertes, que admiten tanto sílabas átonas como tónicas.

Veremos ahora otra melodía que estudiaremos, esta vez será la primera que se oye en el segundo movimiento de la Sonata para piano nº8 de Beethoven.

Escúchala:

En esta encontramos idéntico esquema: es una melodía de 8 compases -esta vez, empero, tendrán dos tiempos cada uno y no tres, como en el minuet- con dos secciones reconocibles: el antecedente y el consecuente, o, lo que es lo mismo, la pregunta y la respuesta.

Para ponerles letra debemos tener presente qué notas, qué tiempos son los acentuados y cuáles son átonos.  

Esto nos da este esquema:

Seguiremos, pues, idéntico procedimiento: pondremos letra a ambas partes, respetando la prosodia.

Aquí tienes un tutorial con ejemplos que te servirá de guía:

En los primeros años del Romanticismo Franz Schubert hará un tema con variaciones en el último  movimiento de un quinteto. Usará una melodía juguetona de su autoría, perteneciente a uno de sus lieder. Se llama La trucha. Lee la letra y retén la melodía.

    

Ahora verás cómo en el Romanticismo pleno la melodía deja de tener esta sujeción.
El pulso ya no es un molde constante: se arrebata, se acelera, se ralentiza, se detiene. El discurso no es monótono ni isócrono, sino que responde a las veleidades, a los fluctuantes vaivenes de las emociones deliberadamente descontroladas.

No solo se dificulta seguir o encontrar el pulso, sino saber cuándo comienza y acaba la melodía, que se disuelve en atmósferas sonoras. Contribuye a esta sensación que en este periodo comienza a usarse como material compositivo un elemento que tiene a veces más elocuencia que las mismas palabras: el silencio.

Escucha este poema sinfónico de Jean Sibelius, Finlandia, e intenta seguir los pulsos. Luego, intenta identificar dónde comienza y dónde acaba la melodía primera (la melodía A), cuál es la pregunta y cuál la respuesta...

Clasicismo, generalidades. (Página con ejercicios para responder)

La Edad Moderna termina igual que comenzó: con un periodo clásico, racional. En este caso, el Clasicismo, o Neoclasicismo.

Como todo periodo clásico, tiende al equilibrio, a la proporción, a la simetría, al orden, y es amante de las formas y las estructuras. 

La razón prevalece sobre la pasión, el continente cobra más peso que el contenido. Las formas han de ser respetadas. Incluso los nombres marcarán las diferencias. Te pongo un ejemplo.

El género más importante que aparece en este periodo es la sinfonía.

Esta forma se llamará sinfonía si es ejecutada por una orquesta; pero si en vez de una orquesta los intérpretes son cinco instrumentos de cuerda, se denominará quinteto de cuerdas. Y si en vez de ser cinco son cuatro, cuarteto de cuerdas. Y si no son ni orquesta, ni cinco ni cuatro cordófonos, se llamará... sonata.

Sí, así de obsesivos con el orden son estos clásicos.

Ejercicio 1: 

Deduce qué podrían estar tocando estos conjuntos instrumentales:

A

B

                                                                             

C

D

                                                                  

Este nuevo género tendrá cuatro movimientos: el primero será rápido: allegro; el segundo será lento: andante/adagio/largo; el tercero tomará su nombre de una de las danzas de la suite: minuet, o minuetto, que igual que el vals tendrá compases de tres tiempos; y el cuarto movimiento será un allegro.

El minuet consta de dos melodías (A y B), y comienza su andadura muy lejos, en el alto Renacimiento. Luego en el Barroco estas danzas de la suite generalmente se componían ya únicamente para ser escuchadas pero seguían bailándose en las cortes. 

Adjunto un videíto para recordarlas y para que sientas el compás valseado de 3 tiempos:

El minuetto que estudiamos en clase es el de Luigi Boccherini, de un quinteto de cuerdas.

Recapitulando.

En general el tercero de los movimientos de una sinfonía o un cuarteto de cuerdas o una sonata tiene forma minuet. 

Esto es melodía A, melodía A, (un breve paréntesis), melodía A, (paréntesis) melodía A.

Y luego, cual frontis triangular: melodía B, melodía B, (paréntesis), melodía B, (paréntesis) y melodía B. A esta parte central se la denomina trío.

Para terminar, melodía A, (paréntesis), melodía A.

La misma melodía A del minuetto puede servirnos para graficar lo visto acerca de los periodos clásicos:

Pasemos a otra forma.

El segundo movimiento de estos géneros que estamos viendo, el que suele ser lento (que ya sabemos que puede llamarse adagio o largo o andante) la estructura puede ser la del tema con variaciones. 

Para esto voy a remitirte a esta entrada: mira la obra plástica llamada Tema y variaciones.

Verás que hay solamente un tema, un objeto,

 que es la carita de la mujer amada por Piero Fornasetti, que se presenta con alguna diferencia cada vez.

En música será igual: la melodía o tema ES UNO, pero se lo va variando paulatinamente.

Te pondré un ejemplo cercano.

Escucha la versión de Estrellita dime tú. Quizá la conozcas por su versión inglesa, Twinkle, twinkle, little star, o la italiana Bella stella dimmi tu.

Y ahora escucha las variaciones sobre esta canción realizadas nada menos que por...

Mozart.

Vamos a analizar un poco cómo se hacen estas variaciones. 

En la obra de Fornasetti vimos que el tema es uno, la cara de la cantante de la que está enamorado. 

Así como Piero hacía que Natalina sacara la lengua, o guiñara un ojo, o su rostro apareciera surcado por lágrimas, Mozart modifica la canción.

Primero presenta el tema tal cual. 

Las dos manos llevan el mismo ritmo, rígido, de negras. La mano derecha lleva la melodía, la derecha acompaña, sugiriendo los acordes.

En la primera variación, la melodía será tocada por la mano izquierda, la de los graves, la que está en el pentagrama de abajo y agrega algún puntillo, que hace efecto de salticado, mientras que la mano derecha, la de las notas agudas, borbotea incesantemente en semicorcheas.

En la segunda variación la melodía la melodía vuelve a la mano derecha, a las notas agudas, mientras que el parloteo lo lleva la mano izquierda, con semicorcheas.

En la tercera variación el clima sonoro cambia. Escucharás que la mano derecha hace delicados tresillos arpegiando acordes y la melodía está en la mano izquierda, apenas sugerida. Ya se va escapando del molde original.

Ejercicio 2:

Escucha el himno alemán.

Este himno toma su melodía de un cuarteto de cuerdas, el Cuarteto de cuerdas El emperador de Joseph Haydn, un compositor austriaco. Escucha el segundo movimiento, el lento, y describe qué sucede en cada una de las variaciones.

El segundo movimiento, o el cuarto mayormente también pueden tener forma rondeau. O rondó, si se castellaniza.

Sí, claro, te suena de las canciones de los trovadores de la Baja Edad Media.

El rondeau existía como forma de canción en el Medioevo, y la estructura seguirá más o menos teniendo la misma impronta: una melodía A que se alterna con otras (B, C, D y así).

Básicamente es A, B, A, C, A, D, A. 

Las melodías intercaladas con A -que sería como un estribillo- generalmente suelen tener una intensidad o tensión creciente.

La pieza comienza calmada y de a poco una ligera brisa va transformándose en viento y finaliza con un huracán, por poner una analogía. 

Vamos a escuchar esto en un rondeau de Beethoven perteneciente a la Sonata para piano llamada Patética.

La melodía A dura hasta el segundo 41. Hay una transición breve que lleva a la repetición de A. 

A partir del 1'17'' al comenzará la segunda melodía, B. Notarás que la mano izquierda marca un pulso duro, que ya presagia algo de tensión e indica que la atmósfera comienza a cambiar y a enrarecerse. En el 1' 46'' acaba B, pero hay un pequeño pasaje que nos llevará nuevamente a A. Este pasaje también indica cierta inestabilidad, tanto en lo armónico como en las duraciones tambaleantes, inestables.

En el 2'15'' vuelve a escucharse la melodía A, que acaba en el 2'48''.

Aquí tienes un tutorial que puede servirte de ejemplo: 

Ejercicio 3:

Sigue escuchando el rondeau y marca con minutos y segundos la extensión de C, y la vuelta a A. Verás que en C aparecen los tresillos. Dime, ¿continúa luego con tresillos en el A final o 

vuelve a los tiempos binarios? ¿Se repite A al final, tal como sucedió al comienzo?

Pasemos a la orquesta.

La orquesta aumentará el número de intérpretes, y mejorará la sección de los aerófonos gracias a Theobald Böhm, quien agregará llaves y platos al mecanismo de las flautas. Te comenté en clase que Theobald se pagaba sus clases de flauta mejorando en su tallercito estos instrumentos. Lee algo sobre este músico aquí.

Un instrumento que aparece en el Clasicismo será el clarinete, instrumento de una lengüeta.

Ya había habido desde tiempos inmemoriales instrumentos de una lengüeta, que podemos considerar antepasados del clarinete. Entre ellos, el chalumeau, ejemplar que les enseñé en clase.

Más obras para las audiciones:

El concierto aparece en el Barroco, y en épocas posteriores muchos compositores escriben conciertos.

En cuanto a las audiciones, escucha el Concierto para clarinete de Mozart, el Concierto 21 para piano de Mozart, recordando que este género instrumental suele tener UN SOLISTA y tres movimientos, siendo el del medio el lento.

La misa como género será obviamente litúrgico, es decir, nace para ser interpretada en un ámbito sacro. Y claro, la letra será en latín.

Veremos algunos números de la Misa de Requiem de Mozart: el Rex (rey), el Dies Irae (día de la ira), el Requiem y Kyrie Eleison  (Señor, ten piedad), el Confutatis.

En cuanto a la sinfonía, vamos a escuchar la tercera de Beethoven, que dedicara a Napoleón Bonaparte en un primer momento y cuya dedicatoria borrara luego (al coronarse a sí mismo emperador) con tanta furia que rasgaría el papel de la partitura.

Ejercicio 4:

De la versión enlazada nombra y clasifica los instrumentos que se ven en:

a) 1'15'' en la percusión; b) 1'34''; c) 2' 18''; d) 2' 28'' -los dos-; e) 4'; f) 4'16''; g) 5'09''; h) 6'02''; i) 6'48''; j) 7'04''; k) 7'51''.

¿Te acuerdas de la historia de Orfeo y Euridice que vimos a comienzo de curso?

Pues Christoph Gluck hizo una ópera con este tema, y el aria en que Orfeo llora porque ha cedido a la tentación, cuando se ha vuelto para cerciorarse de que Euridice lo seguía y entonces la pierde, ese aria se ha hecho famosa.

Como en esa época aún los principales papeles operísticos estaban destinados a ser cantados por castrati que poseían un registro vocal femenino, hoy día es muy común que sean interpretados por mujeres. Este es el caso: Orfeo es una mujer en esta versión.

Otra posibilidad es conseguir algún contratenor que se aboque al papel, pero esas voces tan versátiles en hombres son dificilísimas de hallar. Claro que siempre nos queda Jaroussky...

En La flauta mágica, de Mozart, también sucede que se conocen ciertas arias despegadas de la obra, como esta en la que la Reina de la Noche amenaza a su hija Pamina.

Vídeo resumen de los principales puntos de periodo:

 ver en YouTube

Ejercicios

1.- Comenta las características generales del Clasicismo, qué sector de la orquesta evolucionó, cómo y gracias a quién, qué instrumento nuevo apareció y clasifícalo según el modo de producción sonora. 

2.- Comenta los diferentes nombres que se le da al género instrumental que toma forma en este periodo y cómo se llama según la conformación del grupo que lo interprete. Haz el ejercicio 1 del cuerpo de la entrada.

3.- Cita los tempi de los movimientos y qué forma suelen tener el segundo y el tercero de ellos.

4.- Describe la melodía clásica.

5.- Averigua qué es la anacrusa y por qué está señalada como comienzo en el Minuet de Luigi Boccherini. Cita cualquier otra canción infantil o popular que comience con anacrusa.

6.- Describe el tema con variaciones. Haz el ejercicio 2 que encontrarás en el cuerpo de la entrada.

7.- Explica por qué en las obras de Mozart encontramos una letra K y un número. A tal efecto, lee un poco de esta página, resume y redacta la respuesta con tus propias palabras.

8.- Haz el ejercicio 3 del cuerpo de la entrada sobre el rondeau.

9.- Identifica cuál de estas líneas es semejante a un tema con variaciones, cuál a un rondeau y cuál a un minuet. Justifica tu respuesta.

Quizá te ayude, en pos de comprender mejor las estructuras, ver este trabajo de unas alumnas:

 

 
10.- Haz el ejercicio 4, identificando los instrumentos que verás en la Sinfonía número 3 Heroica de Beethoven.

Análisis del estribillo del rondeau de la sonata Patética de Beethoven

Cada tanto recibe uno alguna sorpresa.
Inesperada, como debe ser toda sorpresa que se precie.

Y en una de esas contadas ocasiones, resulta que la profe recibe un trabajo excelso, hecho con mimo, con creatividad, con inteligencia.

Y entonces una se pone orgullosa de lo que ha despertado, y orgullosa de que entre los ojos atentos que nos miran desde sus pupitres y entre los oídos ávidos que atrapan las volátiles palabras nuestra humilde semilla caiga y dé sus mejores frutos.

Un fruto que justifica las largas horas que pasan los alumnos sentados accediendo a la convención de prestarnos atención a estos adultos erigidos en profesores que exigen olvidar sus circunstancias personales, salirse de sí mismos y recorrer un camino hacia otras ideas, otras estéticas, otros mundos.
Y, cada tanto, un pequeño milagro nos es devuelto brillante y esperanzador.

He aquí el trabajo de Carla, alumna de segundo curso de la E.S.O. y de quien declaro ser orgullosa profesora.

Trabajos de alumnos sobre la melodía A:

Apoyo para el ejercicio de análisis con letra propia sobre la melodía A:

Géneros y formas: la sinfonía, el minuet (III). Trabajo para abril.

Para finalizar con nuestro estudio del Clasicismo, abordaremos otra de las formas: el minuet.

Hagamos historia, repasemos.
Como recordarás, el minuet, o menuet, o minuetto, era una danza de tempo rápido y compás de 3 tiempos, como la courante o el vals.
En el Barroco tanto entusiasmo despertaba que conquistó las salas de baile de las cortes europeas. Era una de las danzas elegantes que se bailaban en palacio.

Como número de la suite fue aquella danza que se intercalaba entre la zarabande y la gigue.
Escuchemos una suite que lleva un minuet en ese sitio. Recordarás también que en el Barroco la suite va perdiendo el carácter danzable. Había sido en este periodo que la orquesta toma forma, en gran parte debido al perfeccionamiento en la construcción instrumental en general y de las cuerdas en particular (mencionemos a los grandes luthiers cremoneses de la época, que siguen hablándonos de perfección: Stradivari, Amati, Guarneri).

Trabajo 1: identifica el momento exacto en que comienza el minuet en esta suite para cello de Bach.

El minuet podía escribirse como pieza suelta, sin formar parte de otra obra.
Volviendo al parangón con la cómoda, este cajón con esta determinada estructura y denominación puede no pertenecer a ningún mueble, sino justificar su existencia y valor por sí mismo.
Este es el caso de este minuet que perteneció a un librito para estudiar el clavecín que Bach le regalara a su segunda esposa, Anna Magdalena.

Trabajo 2: siguiendo el análisis que nos provee esta partitura, haz una descripción de la forma del minuet. Encuentra esta forma ternaria en objetos que te rodean y haz una foto. Envíala con su correspondiente justificación.

Trabajo 3: cuenta las notas que tiene el antecedente de la melodía A, y las del consecuente. Inventa una letra para la melodía A, en la que a cada nota corresponda una sílaba. Debe ajustarse a su estructura y a los acentos naturales de la melodía (eso se llama prosodia) y debe respetar el esquema de pregunta -en lo posible debe ser una pregunta- y respuesta. Las notas que suenan fuertes deberán tener una sílaba tónica. Las que suenan débiles una sílaba átona. Recuerda que cuando una palabra termina en vocal y la palabra siguiente comineza en vocal ambas suelen fundirse y se cuentan como una sola sílaba (eso se llama sinalefa). Hay un modo inequívoco de controlar si lo hemos hecho bien :cantarla. Envía el archivo de audio.
 
Pasemos al Clasicismo.

Escucharemos un quinteto de cuerdas -dos violines, una viola y dos cellos- de Luigi Boccherini.
Quizá te suene su nombre familiar, ya que vivió en Madrid desde sus 25 años, en la calle Leganitos.
Él pintó con música los sones de las calles de su ciudad adoptiva (esto ya es música descriptiva). El tercer número, que comienza en el minuto y 20 segundos, es un minuet, el Minuet de los ciegos.

Escuchemos:

El quinto número es una pasacalle, que se hizo famosa por estar en la peli Master and commander.

Pero, de los minuets de Boccherini, el más escuchado sin dudas es el que sigue:
Es clarísimo en cuanto a su estructura y a las melodías.
Estudia el análisis detenidamente e intenta retener la melodía A, con su pregunta y respuesta, o antecedente y consecuente.

Trabajo 4: cuenta las notas que tiene el antecedente de la melodía A, y las del consecuente. Inventa una letra para la melodía A. Debe ajustarse a su estructura y a los acentos naturales de la melodía (eso se llama prosodia) y debe respetar el esquema de pregunta -en lo posible debe ser una pregunta- y respuesta. Cántala. Envía el archivo de audio.

Pasemos a la sinfonía.
Si bien este término fue polisémico en sus orígenes, en el Clasicismo pasó a definir estas estructuras que tienen generalmente 4 movimientos que habíamos comparado con la cómoda.
Y, generalmente, su estructura era: el primero de los movimientos-cajones era de tiempo rápido (allegro), el segundo lento (podía ser rondeau), el tercero solía ser un minuet y el último también podía tener forma rondeau.
Por supuesto, esta estructura debía ser interpretada por una orquesta sinfónica.

Escuchemos el tercer movimiento, con forma minuet, de una sinfonía de Mozart.

Géneros y formas clásicas: cuarteto de cuerdas, el tema con variaciones (II). Trabajo para abril

Recapitulando, tanto la sonata como el cuarteto de cuerdas o la sinfonía están conformadas por varios movimientos o partes.
Por poner un parangón, pensemos en una cómoda: este mueble sería, por darle un nombre, una sonata.
Así como la cómoda posee varios cajones que son quienes le dan su estructura, su utilidad y su razón de ser, la sonata tiene movimientos.

Cada uno de estos cajones-movimientos tendrá un contenido particular.
Tendrás el cajón de los calcetines y aquel de las camisetas, y cada cual tendrá su determinado orden interno.
Así, pues, cada movimiento tendrá una estructura y nombre particular.

Trabajo 1: al finalizar de leer la entrada en su totalidad, recrea la analogía con una cajonera o cómoda de modo que grafique con claridad los conceptos expuestos y las formas tratadas hasta ahora.

La idea es que la sonata y el cuarteto de cuerdas tienen ambos cuatro movimientos o partes. Serían como los capítulos de un libro. Tienen 4 partes, se dividen en cuatro partes. Debes pensar en algún objeto que esté dividido en 4.

Luego, dentro de cada una de esas partes hay una estructura en especial. Por ejemplo, el rondeau tiene esta forma: objeto 1, objeto 2, objeto 1, objeto 3, objeto 1. Lo recuerdas, ¿verdad? Son las melodías: A- B- A- C- A

Luego otro cajón o compartimento deberá tener esta forma: A, A', A'', A'''. ¿Qué quiere decir eso? Pues quiere decir que siempre es la misma melodía, el mismo objeto, pero levemente transformado.

El contenido de uno de los cajones debe estar reflejar  la estructura del tema con variaciones, y otro de ellos la del rondeau. Haz un pequeño video casero o serie de fotos y envíalo a la profesora.  
Te propongo un juego: aquí verás unas imágenes de lo que serían los contenidos de cada cajón. Intenta descubrir si responden a la estructura del rondeau o del tema con variaciones.

Identifica qué línea de emojis representaría un tema con variaciones y cuál un rondeau:

💖💓💔💘💝💟
📗🔨📗💽📘
🔈🔅🔈🌆 🔊
🎾🏀🏉🏈


Hemos visto ya el cajón del rondeau en la entrada precedente.
Hoy abriremos otro cajón: el del tema con variaciones.
En esta forma la estructura es la siguiente: se presenta una melodía o tema para luego ir modificándolo paulatinamente.

En verdad esta forma ya existía antes del Clasicismo. Incluso antes del Barroco. En el Renacimiento ya podíamos encontrar lo que se llamaban diferencias. Hagamos, pues, algo de historia.Hagamos, pues, algo de historia.
Repasemos:

Escucha esta canción del alto Renacimiento, con poema de Cristóbal de Castillejo (siglo XVI).

Y ahora, las diferencias creadas por Antonio de Cabezón, un contemporáneo suyo. Como podrás apreciar, presenta la melodía original y luego va alejándose de ella ya agregando adornos, ya cambiando el ritmo, o la textura, o modificando acordes, pero siempre puede distinguirse y reconocerse el material primigenio, su esencia

Y las famosas de Luys de Narváez para vihuela sobre la misma melodía.

En el periodo siguiente, en el Barroco, Johann Sebastian Bach compondrá las treinta Variaciones Golberg con Verzeichnis 988.
La melodía (aria) que varía Bach es binaria: tiene dos partes de 16 compases cada una, que a su vez se dividirán en dos secciones de 8 compases cada una.
Luego de la exposición, se sucederán las variaciones, muchas de ellas son cánones.
Pero para no detenernos demasiado, pasemos al Clasicismo.

La primera obra que escucharemos no es un cajón que forme parte de un mueble.
Es, simplemente, un cajón.
Es decir, no es un movimiento de una sonata. Mozart lo compuso como pieza independiente. Es de meridiana claridad en el tratamiento que hace a la prístina melodía, y es por eso que la incluyo.
Por si tu memoria la hubiera olvidado, aquí está la versión infantil tan popular:

Y ahora el tema con variaciones compuesto por Mozart:

Trabajo 2: toma nota, en esta versión, de el segundo exacto en el que acaba la exposición del tema, en que termina la variación 1, la 2 y la 3, y describe con tus propias palabras qué diferencias encuentras en cada una de ellas.
Ayuda: identifica en cada una de las variaciones si el ritmo se mantiene igual al que tenía en la exposición del tema o si ha agregado figuras con puntillos, que producen salticados; o si la melodía se lleva con la mano derecha o la izquierda -el pentagrama superior se toca en el piano con la mano derecha y el inferior con la izquierda-; si hace en alguna variación tresillos, o si el acompañamiento se vuelve parlanchín y hace semicorcheas constantes

o si la melodía empieza a distanciarse de la original agregando notas o si se produce algún cambio armónico -cambio de acordes- por ejemplo con el agregado de alteraciones accidentales que antes no hubieran aparecido -con alteraciones accidentales nos referimos a sostenidos # y bemoles ♭; o si se agregan tresillos.

Veremos un ejemplo ahora de Joseph Haydn. Este compositor austriaco utilizó el tema con variaciones como forma en uno de sus cuartetos de cuerda, el número 3 en do mayor llamado Emperador.
Recuerda que cuarteto de cuerdas se denomina tanto al género como al conjunto instrumental. A este conjunto instrumental:

Dos violines, una viola y un cello.

Escuchemos el Cuarteto para cuerdas en do mayor nº 3 de Haydn.
Y, ahora, presta especial atención al segundo movimiento.

Trabajo 3: escucha el movimiento. Memoriza la melodía que usa Haydn como tema. Identifica cada variación, señala desde dónde a dónde se extiende (expresado en tiempo) y describe lo más claramente posible los cambios a la que es sometida la melodía.

El tema principal de este movimiento, esa hermosa melodía que Haydn  varía, sería escogida luego como melodía para el himno de Alemania.

Trabajo 4: señala al menos 4 diferencias entre el himno alemán y el tema del cuarteto de cuerdas de Haydn (en cuanto al pulso, a la orquestación, al carácter y todo otro matiz que distingas).

Ya en el Romanticismo, Franz Schubert se valió de esta forma para el cuarto movimiento de su Quinteto para piano y cuerdas en la mayor, que tomó la melodía de un lied que él mismo había compuesto antes.
Escuchémoslo:

Es claramente reconocible la melodía y sus variaciones en este movimiento:

Puedes escuchar el tema con variaciones de la profesora sobre la melodía A por ellos en este enlace.


Trabajo 5 realiza en el formato que prefieras la presentación de un objeto, y luego modifícalo paulatinamente, añadiendo o quitando partes, o simplemente cambiándole el aspecto de a poquito. Intenta que sea secuencial y paulatino, y que la forma primigenia sea visible pese a los cambios. Envíalo con una somera explicación del proceso.

Géneros y formas clásicas: la sonata, el rondeau (I). Trabajo para abril

Como vimos alguna vez, en la alternancia de períodos en los que rige la razón o la pasión, la recta o la curva, en los que prevalece el continente por sobre el contenido, los periodos clásicos eligen el orden, la racionalidad, acentúan el gusto por las estructuras bien claras y definidas.
Esta dicotomía es aquella que estudiamos en la Edad Antigua concerniente a lo dionisíaco y lo apolíneo.
En los periodos clásicos el pulso es regular, casi invariable. Las melodías suelen ser simétricas y equilibradas, como las fachadas de los edificios.
(Puedes encontrar en esta entrada ejemplos de edificios clásicos de distintas épocas).
Estudiaremos algunas de las formas que se definen en el Clasicismo, y que conformarán movimientos de sonatas, sinfonías, cuartetos.

Vamos por partes.

La sonata nace en el Barroco como contraposición a la toccata y a la cantata, y refería a una pieza para ser ejecutada principalmente en instrumentos de cuerda.

En el Clasicismo la obsesión por la formas llevará a perfeccionarlas y a fijar sus estructuras. Suele tener cuatro movimientos, si bien las sonatas para piano de Beethoven suelen estar conformadas por tres.

La palabra sonata ya no implicará qué tipo de instrumento ejecuta la obra.
De hecho, la primera obra que analizaremos será una de las sonatas para piano de Beethoven.
No la escucharemos entera sino que nos detendremos en uno de sus movimientos.
En general una sonata no tiene instrumentos solistas. Es, por poner una analogía, un género democrático. Todos los instrumentos tienen igual protagonismo.
Como ejemplo veremos aquí la sonata Spring de Beethoven para violín y piano.
Verás cómo ambos instrumentos se contestan constantemente. Uno lleva la melodía principal mientras el otro acompaña en segundo plano, para de inmediato invertir el juego.

Escucha al menos el primero de los movimientos (allegro, rápido):

Vamos ahora al segundo movimiento de la Sonata para piano nº 8 del mismo autor.
Es un movimiento lento, adagio, y su estructura es de rondeau. Ya verás cómo es un rondeau cuando hayas terminado de estudiar toda la entrada, pero te doy una pista:

La melodía A es una carita. La B es distinta. Ese pato loco. Luego la A nuevamente. Luego la C que tiene más tensión y de nuevo cierra con A pero un poquito diferente.

A medida en que vayas escuchando el movimiento lee atentamente las indicaciones.

PRIMERA SECCIÓN (A)
Estribillo

La primera melodía (o melodía A) tiene 8 compases, y se divide en dos semifrases de 4 compases cada una.
La primera semifrase (o pregunta) y se extiende hasta el segundo 12.
Con la segunda semifrase (o respuesta) concluye la melodía en el segundo 30.
Verás que entonces aparece una escala ascendente que nos llevará a la repetición de esta melodía pero una octava más aguda desde el segundo 38.
La melodía acaba su repetición en el minuto y 01 segundos.

Trabajo 1: pon letra a la melodía A. Para esto deberás tener en cuenta la prosodia, es decir, que la acentuación de las palabras coincida con las acentuaciones melódicas. La semifrase primera (pregunta) deberá ser de 9 sílabas y la segunda de 14. 

Trabajo 2: cierra los ojos y vuelve a escuchar toda la sección, dejando que la música te transporte y te sugiera. Adjetiva la melodía.
Quizá te sugiere un paisaje. Quizá, una voz. Quizá, palabras, o aromas, o un viejo recuerdo.
Escríbelo, o busca una imagen que represente las sensaciones que te ha despertado. 

Trabajo 3: toca la primera sección en flauta con la aplicación Noteflight que encontrarás aquí. Si tuvieras dudas con la digitación, consulta esta entrada del blog de clase, que enseña cómo es cada nota. Envía el video.


SEGUNDA SECCIÓN (B)
Copla

La segunda melodía comienza en el 1' 03'', con una anacrusa.
Verás que ya desde las primeras notas denota mayor tensión, usando para eso la repetición martilleante de una nota en la mano izquierda, usando un registro más agudo en la izquierda, que salta en dos compases dos octavas (un do grave, uno medio, otro agudo), pasando a do mayor, usando acordes cuya tensión no se resuelve entre el 1' y 14'' y el 1'  17 ''.
En el 1' 28'' comienza una transición inestable armónicamente, una escala cromática zigzagueante que nos hace  tambalearnos, cual si atravesáramos un delgado y movedizo y crujiente y destartalado puentecillo de madera cuyos  durmientes fueran chirriando quejosamente bajo nuestro peso.

Trabajo 4: continúa con la dinámica del punto 2. Encuentra una imagen o texto que se ajuste a lo que la música te provoque y que sea demostrativo del incremento de tensión.


TERCERA SECCIÓN (A)
Estribillo 

En el 1' 53'' comienza la sección en la que volverás a encontrar la melodía que has tocado al comienzo, solo que esta vez no se repetirá en la octava superior.
Verás que finaliza cuando, en el 2' 23'' pone punto final a la melodía a la que creaste letra, la A.


CUARTA SECCIÓN (C)
Copla

La sección C comienza en el 2' 26''.
Fíjate que la mano izquierda acompaña con tresillos, lo que incrementa la sensación de tensión.
En los respiros de la melodía que toca la mano derecha se oyen las respuestas basadas en escalas descendentes de la izquierda.
De a poco el ambiente va tensándose, subiendo el registro, haciendo saltos hasta notas agudísimas y aumentando dramáticamente la intensidad.
La melodía se divide en dos semifrases de 4 compases divididas a su vez en dos partes de dos compases.
Hasta el 2' 31'' hay un motivo de seis notas, que acaba en un intervalo de 5ª ascendente. El mismo motivo se repite pero ahora la resolución es de semitono descendente (hasta el 2' 39'').
En la semifrase siguiente, si bien las cuatro primeras notas son las mismas que en los motivos inmediatamente anteriores, la tensión se acumula y la melodía va desmarcándose, como flechas tiradas cada vez con mayor fuerza, yendo desde un la bemol a un fa sostenido-una séptima menor-, una octava, y luego de subir cuatro grados nuevamente otra octava desde el mi al mi superior (escucha hasta el 2' 53'').
Luego, volverá a escucharse el motivo de seis notas dos veces más, ya calmándose, como si la tormenta amainase.

Trabajo 5: continúa con la dinámica del punto 2 y añade una imagen o texto acorde.


QUINTA SECCIÓN (A)
Estribillo

Verás que la melodía a la que pusiste letra vuelve a aparecer, haciendo el mismo juego de la reiteración una octava más alta.
Sin embargo, la tensión dista de ser la misma que al comienzo.
Esto se debe en gran parte a que el acompañamiento continúa en tresillos, lo que añade tensión y premura.
Luego de una gran tormenta, o un ventarrón, o una discusión, aunque uno retome la calma, aunque los vientos se sosieguen, el paisaje ha cambiado. El aire queda con otros olores, el paisaje se ha cubierto de nuevos colores, de hojas caídas, de la pátina brillosa de las superficies húmedas, el corazón tarda en retomar el ritmo previo y la sangre circular a la misma velocidad.
Pues eso mismo ha pasado aquí.
Esta sección acaba en el 4' 17''.

Trabajo 6: continúa la dinámica del punto 2 y añade una imagen o texto acorde. 

APUNTES SOBRE LAS SECCIONES CUARTA Y QUINTA:
Adjunto descripciones tendientes a ayudarlos a entender el trabajo pedido.

La melodía C se extiende desde el minuto 2’25’’ . Verán ustedes que además de alcanzar notas más agudas, de cambiar de piano a forte súbitamente, de no mantener el pulso y retenerlo y desbocarlo, la tensión está marcada por un paso a los tresillos. Por eso en el minuto 3’20’’, cuando retoma la melodía A, esta aparecerá también en tresillos, reflejando los cambios de un paisaje después de una tormenta, o como el ánimo después de una discusión: se vuelve al estado anterior pero algún rescoldo queda, ya sea las hojas arrancadas, las mejillas bañadas en lágrimas, las ramas caídas o el corazón desasosegado.

👦💖👦💢🙇
¿Ves la estructura del rondeau en la imagen de arriba? La melodía A está representada por una carita. Después le B es un corazón. La C tiene más tensión así que le representé con un símbolo de ruptura. La última es una cara, sigue siendo A, pero con una pequeña modificación.



COLA (COLA, FINAL)

A partir del 4' 20'' comienza el epílogo, una breve sección de cierre, que nos acompaña hacia el punto final.

Trabajo 7: encuentra el mismo diseño estructural del rondeau en una imagen producida por ti mismo (puede ser el dibujo que hacen las baldosas del suelo, o las ropas en los estantes, o ventanas en un edificio). Simplemente, mira y busca.

Música en tiempo de receso: la misa de difuntos. Rex y Confutatis (III)

Estábamos viendo la misa de descanso, o de difuntos, o de requiem.
Ya en el Renacimiento vimos algún número de este tipo de misas de funerales cuando estudiamos a Tomás Luis de Victoria.
Ahora estamos abordando algunos de los números de la misa compuesta por Mozart.
Vimos el requiem, el dies irae. Incluiremos algunos números más.

Comenzaremos hoy con el Rex (rey).
Ve leyendo los comentarios a medida en que escuches, así te será más fácil.

Verás que la obra comienza con una introducción de la orquesta, que acomete una melodía muy rítmica y de intensidad fuerte: todas las cuerdas (en este caso, violines, violas y violoncellos) hacen una escala descendente con salticados rítmicos muy marcados (figuras con puntillos), apoyados por los cornos de bassetto, fagot y los trombones.
Escucha hasta el segundo 18.

corni di bassetto

trombón

fagot

En el segundo 19 entra el coro con sus secciones femeninas y masculinas divididas en dos, los registros sopranos y contraltos para las chicas, y registros tenores y bajos para los muchachos.
Entran en el segundo de los cuatro tiempos del compás las cuatro voces haciendo un acorde de sol menor fuerte, con la palabra rex, el vocativo con el que interpelan al Señor.
Habíamos visto que Dios se mostraba como un juez riguroso: ahora la humanidad se presenta ante él para hacerle un ruego.
En su desesperación ante la inminencia de la sentencia, la gente lo invoca gritando. Lo llama a voces. Necesita imperiosamente su atención. Tres veces lo llaman, acompañados y sostenidos con los trombones y los cornos, mientras las cuerdas repiten las escalas descendentes con su ritmo inquieto y martilleante.

Luego, seguirá el coro con su clamor en el segundo 32: rey de tremenda majestad, sirviéndose del motivo rítmico con puntillos que había presentado la sección de cuerdas, con textura homofónica, haciendo en este preciso momento su entrada tanto las trompetas como los timbales con la misma nota y acentuando el discurso de las voces.

Y tiene su lógica. Pensemos.
La feligresía está mancomunada en una empresa ineludible y angustiante: establecer un diálogo con el Dios severo que ha de juzgarlos. Todos a una deben elevar sus voces a fin de ser escuchados, de tener alguna chance de que sus ruegos sean atendidos, de demostrar su congoja, su aflicción, su desesperación, su contrición.

En el segundo 38, el clima cambia. Se pasa, como tantas veces sucede en los intercambios de pareceres, del grito al tono más mesurado que acompaña a la súplica.
Cambia entonces la textura: entramos en una sección contrapuntística, en que las voces claman cada una por su lado, en un volumen más bajo, con melodías más legate (ligadas) y de notas largas.
La división es aún más patente entre las voces femeninas y las masculinas.
Inclusive el texto será distinto: las chicas seguirán invocando al dios majestuoso, mientras los varones continúan con el texto, diciendo qui salvandos salvas gratis, es decir,  que salvarás a quien tú quieras.
Comienzan las contralto, e imitándolas, casi como en un canon, entrarán poco después las soprano una cuarta arriba (las alto parten de re y hacen un salto de sexta, las sopranos cantan el mismo motivo pero desde el sol).
En las voces masculinas sucede algo similar: se contestan imitativamente a distancia de dos tiempos, pero comienzan los tenores haciendo un motivo desde el re seguido por un salto de cuarta ascendente que será imitado como un eco por los bajos que harán lo mismo pero desde el sol, es decir, desde una quinta más grave.
Los tenores repetirán este esquema (re sol'sol'do) un tono abajo, desde el do (do fa'fa'sib), luego seguirán bajando y lo cantarán desde el bi bemol (sib mi'mi'la) y bajarán una cuarta vez para entonarlo desde el la (la re're'sib).

Los aerófonos secundarán a las voces mientras que las cuerdas continuarán en un segundo plano con sus escalas descendentes y con el característico ritmo con puntillo.


Esto es hasta el segundo 56. En este punto vuelven a unirse las voces y a coincidir los textos, vuelve la homofonía, vuelven a invocar con contundencia al todopoderoso, una vez más, por solo 4 segundos, mediante una catábasis, para disgregarse nuevamente, retornando la polifonía contrapuntística, aquella en la que las sílabas de las distintas voces dejan de coincidir, en que el seguir el texto se dificulta, en que las melodías se solapan y se amontonan como las olas del mar, en la que el movimiento se vuelve zigzagueante, pletórico de líneas horizontales.

A partir del 1'05'' el juego imitativo que se había presentado antes se invierte: los tenores toman las palabras rex tremendae con un salto melódico de sexta desde el la, y lo mismo harán, imitándolos, dos tiempos después los bajos pero desde una quinta descendente, es decir, desde el re. Las mujeres cantan qui salvandos, haciendo las contralto exactamente el mismo motivo y las mismas notas que en el segundo 40 le habíamos escuchado con ese texto a los tenores: (re, sol'sol'do) como respuesta al motivo similar que llevan las soprano: la re' re' sol.

Esto es: las sopranos juegan con el LA seguido de salto de 4ª ascendente: RE'RE' y descenso de 5ª: SOL. (1'03'')
Responden dos segundos después las alto con el mismo motivo y texto pero empezado en RE. Esto es: RE seguido de salto de 4ª ascendente: SOL SOL y descenso de 5ª: DO.
Estas estructuras se repetirán idénticas, alternándose, descendiendo la nota de inicio en las sopranos y pasando del LA al SOL, y lo mismo harán las contraltos, que habían cantado desde el RE y luego lo harán desde el DO. Todo desciende.

En el 1'11'' reiteran la invocación Rex tremendae majestatis, uniéndose de a poco las voces en la coincidencia textual paulatina hasta coincidir en el 1'15'' homofónicamente. Suben la intensidad, vuelven a escucharse los timbales y las trompetas subrayando el final -mendae majestatis  y seguirán acentuando el ruego grupal en qui salvandos salvas gratis, con un toque que recuerda a una fanfarria guerrera y apocalíptica.

Hemos llegado al 1'24''.
Las cuerdas se quedan solas en los tres tiempos que le quedan al compás y van descendiendo usando los dos recursos que se han usado durante toda la obra: el puntillo y el descenso.
En el 1'28'' escuchamos al coro nuevamente dividido por cuerdas, las femeninas por un lado, suplicando un pianissimo salvame. Sí, has adivinado. Con puntillos y descendente. Contestan de igual modo las cuerdas.
Y los varones, que también piden la misma gracia.
Y todos, en el 1'39'', yendo hacia el pianissimo, inclinándose, exangües, exclaman:
¡salvame, fuente de piedad!

Aquí tienes un enlace para tocar el Rex con acompañamiento.
Rex tremendae, Misa de Requiem de Mozart
(Entre nos, te cuento un secreto: si te animas a tocar este número y me envías un video -para que pueda ver que efectivamente eres tú el magnífico intérprete- tendrás un 10.)
Si tuvieras problemas con la digitación, he subido los diagramas de las digitaciones de las notas en esta página del blog.

En cuanto al Confutatis, al haber tanto material ya subido a la red, te facilitaré algunos enlaces para que visites.
La versión primera quizá está demasiado lenta, pero allí tenemos el texto tanto en latín como en español, lo que nos ayudará a comprender el propósito del texto. Verás que, como sucedía en el Rex, este número tiene dos partes claramente contrapuestas y contrastantes: aquella en la que la orquesta describe el paisaje del fuego del infierno en que penan los condenados, en el que se oyen las llamas flameantes y que está protagonizada por las voces masculinas; y aquella en la que con un dulcísimo acompañamiento de los violines de fondo nuevamente la grey suplica que Dios se apiade y los invoque (recuerda el significado de la palabra vocativo). Este fragmento está cantado por las mujeres.
En el 1'47'' se unirán todos, varones y chicas, con textura homofónica, en el texto oro suplex et acclinis cor contritum quasi cinis, gere curam mei finis

 Comparto otra versión en la que se ven claramente las entradas vocales y que tiene, a mi parecer, un tempo más adecuado:

En una película algo controversial pero que fue en sus días muy popular, un Mozart agonizante dicta a Salieri, otro músico de la época, (profesor de uno de los hijos de Wolfgang, por cierto) esta pieza. Ayuda mucho a la discriminación auditiva de las partes, así que presta atención a este fragmento para sacar el máximo provecho.